(*1987 in Jeddah, lebt und arbeitet in Jeddah, Saudi-Arabien)

Dana Awartani's künstlerische Praxis wurzelt in ihren Fähigkeiten im traditionellen islamischen Kunsthandwerk und in der Kalligraphie sowie in ihrem Bemühen um die Erhaltung kulturellen Erbes. Die Videoinstallation I Went Away And Forgot You zeigt die Künstlerin beim Wegfegen eines kunstvoll komponierten, geometrischen Bodendesigns aus Sand, das an traditionelle Fliesenarbeiten der islamischen Architektur in der arabischen Welt erinnert. Awartani schuf das Muster mit Sand aus der Region, den sie zuvor mit natürlichen Pigmenten aus Mineralien und Pflanzen gefärbt hatte. Mit diesem Akt der Zerstörung thematisiert Awartani die rasante Modernisierung ihrer Heimatstadt Jeddah, die das Überleben traditioneller Kunsthandwerke und architektonischer Schätze bedroht. Die Zyklen von Schöpfung und Zerstörung des Films laden den Betrachter ein, über menschliche Hybris, die Bedeutung von Verlust und die Vergänglichkeit des Daseins nachzudenken.

(*1980 in Torhout, lebt und arbeitet in Gent, Belgien)

Die Installation Be Ware von Olivier Goethals steht beispielhaft für seine vielfältige Praxis, die Skulptur und Architektur zu einem einzigartigen künstlerischen Amalgam verbindet. Als Verweis auf Elemente der äußeren Umgebung des Gebäudes werden Goethals’ Strukturen vollständig aus Materialien erstellt, die nach Ende der Ausstellung einer Wiederverwendung zugeführt werden. Beim Betreten des Ausstellungsraums werden die Besucher eingeladen, einen erhöhten Steg zu betreten, der eine unerwartete Perspektive bietet, um die Architektur des Gebäudes zu erfahren. Die Installation beeinflusst direkt den natürlichen Bewegungsfluss im Raum und die Art und Weise, wie sich Besucher mit den ausgestellten Kunstwerken auseinandersetzen. Ganz unmittelbar verändert sich durch die Installation die Atmosphäre, welche die Räumlichkeiten, die Kunstwerke und besonders die Besucher selbst in ein unkonventionelles Raumerlebnis einbezieht.

(*1983 in Les Lilas, lebt und arbeitet in Paris, Frankreich)

In ihrer künstlerischen Praxis hinterfragt Eva Nielsen die alltägliche Rolle der Architektur und ihre Fähigkeit, neue Perspektiven der Realität zu schaffen. Die in dieser Ausstellung gezeigten Werke stellen Landschaften, die von Gemälden alter Meister inspiriert sind, mit architektonischen Strukturen, die mit zeitgenössischer Vorstadt verbunden sind, gegenüber. Die Künstlerin verwischt die Grenzen zwischen den Medien und verwendet eine Mischung aus Malerei und Siebdruck, um collageartige Werke aus überlappenden Bildern zu schaffen. Nielsen extrahiert die utopischen und zeitlosen Landschaften aus einer Mischung aus persönlichen Erinnerungen, Fotografien und imaginierten Idyllen. In ihren kompositorischen Widersprüchen erzeugen die Werke eine beunruhigende Verfremdung. In den engen Ausstellungsräumen des BNKR kommentieren Nielsens großformatige Gemälde, die in unkonventioneller Art und Weise installiert wurden, die Architektur, welche sie umgeben.

(*1977 in North Vancouver, lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland)

In einer Vielzahl unterschiedlicher Medien untersucht Jeremy Shaw veränderte Bewusstseinszustände und die kulturellen und wissenschaftlichen Muster, um transzendentale Erfahrungen abzubilden. Durch die Kombination von Methoden aus dem Genre des Vérité-Films, der Konzeptkunst, der Musikvideoproduktion, der Esoterik und der wissenschaftlichen Forschung schaffen Shaws Arbeiten eine postdokumentarische Sprache, in der unterschiedliche Glaubenssysteme und Geschichten in einen interpretativen Schwebezustand geraten. Im Rahmen dieser Ausstellung ist eine Auswahl aus Shaw’s Werkreihe Towards Universal Pattern Recognition zu sehen, die aus neu gerahmten Archivfotos besteht. Diese Fotografien zeigen Subjekte, die eine spirituelle, hedonistische oder technologische Katharsis erleben und sind unter präzise facettierten, prismatischen Linsen hinterlegt, die vom Künstler entworfen wurden, um mehrfach gebrochene Bilder um bestimmte Elemente herum zu erzeugen. Diese Interventionen verstärken das Empfinden der Betrachter für die Euphorie der fotografischen Sujets und binden diesen in eine voyeuristische Auseinandersetzung mit der Ekstase anderer und der eigenen objektivierenden Sehlust ein.

(*1988 in Filderstadt, lebt und arbeitet in Basel, Schweiz)

Hannah Weinberger schafft ortsspezifische Klanginterventionen, die sich mit der sie umgebenden Architektur auseinandersetzen. Für die Ausstellung im BNKR schöpft Weinberger aus der Geschichte des Gebäudes als Luftschutzbunker im Zweiten Weltkrieg. Die gedämpften Detonationsgeräusche – scheinbar von außen – durchdringen in zufälligen Abständen die Ausstellungsräume. Die Einbrüche erschüttern die Stille der Ausstellung und lösen ein reflexives Überdenken der wahrgenommenen Realitäten aus. Für diesen ehemaligen Bunker scheint die Möglichkeit eines Konflikts sowohl geografisch als auch historisch in weite Ferne zu rücken, doch unser Leben in Frieden und Freiheit ist keine Selbstverständlichkeit. Weinberger ermutigt das Publikum, darüber nachzudenken, ob die fortwährenden Bedrohungen unserer friedlichen Gesellschaft von außen oder von innen kommen.

(*1965 in Escondido, lebt und arbeitet in Joshua Tree, CA, USA)

Andrea Zittel erforscht in ihrer künstlerischen Praxis die Möglichkeit Grenzen zwischen Kunst und Funktionalität zu destabilisieren und hinterfragt die Bedeutung, die wir den Objekten, mit denen wir uns umgeben, beimessen. Ihre Arbeiten weisen eine inhärente und bewusste Mehrdeutigkeit ihres Zwecks auf: Sind sie kostbare Objekte oder einfach Gebrauchsgegenstände? Zwei Serien von Papierarbeiten, die in dieser Ausstellung zu sehen sind, machen dem Betrachter die Ebenen und Schichten bestehender Wahrnehmungsfelder bewusst. Skizzen aus der Serie Planar Construction zeigen skulpturale Skizzen, die als Pläne für funktionale Wohnwelten, und zugleich als Räume von psychischer Trennung, von Privatsphäre und von Rückzug erscheinen. Die Serie Panels and Portals zeigt verwinkelte Innenräume mit ausgeschnittenen, rechteckigen Öffnungen – Portale, die einen Blick in Landschaften ohne fest gelegte Ebenen und Kanten ermöglichen. Die unterschiedlichen Raster dieser Arbeiten fordern den Betrachter auf, sich des menschlichen Strebens nach Organisation und Perfektion bewusst zu werden.